El mundo de Sonia Delaunay

Sonia Delaunay fue una mujer sin precedentes, volcada en un mundo difícil para el género femenino, destacó en el arte como ninguna otra lo había hecho hasta ese momento.Su biografía es apasionante e intensa, fue una mujer adelantada a su tiempo que supo aprovechar cada momento vivido. Se convirtió en la primera mujer viva en tener una restrospectiva en el Museo del Louvre.

Sonia, nació en Odessa (Ucrania) en 1885 con el nombre de Sara Stern y fue criada por su tío, Henry Terk en San Petersburgo.Henry Terk era abogado y coleccionista de arte, por lo que creció en un ambiente cultural exquisito, conociendo museos y viajando, rodeada de libros, aprendió a hablar varios idiomas.
Se instala en París, donde estudiará pintura en La Palette, una de las mejores academias de la capital francesa.Corría el año 1905, y sus primeras influencias las toma de Gauguin y Van Gogh, y también de los fauvistas, mientras trata de experimentar buscando su propio estilo.

En 1908 conoce a Wilhelm Uhde, marchante de arte, con el que vive un matrimonio de conveniencia, él era homosexual y ella sería su tapadera, así además, podría introducirse en el mundo del arte parisino, y tendría asegurada su estancia en Francia. Gracias a él conoce a artistas de la talla de Braque o Picasso, que le llevan a interesarse por las distintas formas del cubismo.

En 1910 conoce a Robert Delaunay, en una de las galerías de su actual marido, y supo que no se separaría de él. Tras conseguir ella el divorcio, se casan, y Sonia adoptaría su apellido, por lo que pasa a llamarse como hoy la conocemos, Sonia Delaunay.

Del matrimonio nacerían un sinfín de ideas y proyectos artísticos que llevarían a cabo a lo largo de su intensa vida juntos, que terminó cuando éste muere en 1941 debido a un cáncer. Ambos fueron creadores del Orfismo, ese cubismo de colores. Pero Sonia se salió de las bellas artes y aplicó también esta corriente en otras disciplinas como el diseño de moda, de libros, de tejidos... Hasta de coches... 

Su historia de amor y su trabajo iban de la mano, el poeta Apollinaire dijo de ellos:

“Cuando se despiertan, los Delaunay, hablan pintura” 

En 1911 nace su primer hijo, y Sonia, que empezaba a experimentar en telas, le teje una manta con formas geométricas (que hoy se encuentra en el Museo Nacional de Arte Moderno de París). Se quiere acercar al arte también de esta manera, diseñando, haciendo objetos cotidianos para convertirlos en obras únicas.

Destacará como ninguna otra en las artes decorativas, y su casa es centro de reunión de los artistas más vanguardistas en todos los ámbitos culturales.

Nunca dejó de pintar, hasta la fecha de su muerte en 1979.
En París, ciudad que consideraba su hogar, fue enterrada junto a su marido, Robert.

EDUARDO CHILLIDA

Nace el 10 de enero de 1924 en San Sebastián,en el seno de una familia dotada de una especial sensibilidad por el arte:

"Mi padre [Pedro Chillida Aramburu] era una persona muy sensible y muy inclinado al arte (...) nos preparaba para que nos dispusiéramos a abrirnos con todos los sentidos a percibir y a observar todos los objetos que poblaban una habitación de la casa, nos dejaba encerrados en ella durante un tiempo, y al salir teníamos que describir con detalles de color, tamaño y aspecto, aquellos que él nos fuese señalando. Y esto desde que nosotros éramos unos niños." .

En 1943 se trasladó a Madrid para comenzar la carrera de arquitectura. Aunque nunca acabaría dichos estudios algunos de los preceptos ahí aprendidos, tales como la relación entre volúmenes y espacio, tendrían, posteriormente, una importancia decisiva en sus trabajos escultóricos. Asimismo, en esos años, Chillida adquirió una buena reputación como portero de fútbol, llegando incluso a ser titular de la Real Sociedad.

En 1947 abandonó la facultad para dedicarse exclusivamente al dibujo y la escultura en el Círculo de Bellas Artes de Madrid:

"Ingreso en el Círculo de Bellas Artes, donde voy a dibujar por libre, con total independencia. Llegabas, pagabas una cuota, y entrabas y salías cuando querías y sin profesor que te controlara. Necesitaba esta libertad. Soy lo que se llama un autodidacta..."

Enseguida toma conciencia de que su habilidad para el dibujo genera que su mano vaya más rápido que su cerebro. Para evitarlo, decide dibujar con la mano izquierda, y así hacer que el cerebro controle la mano:

"... me di cuenta muy pronto que tenía que enfrentarme a un enemigo, mi mano que era muy hábil. Es cuando empecé a dibujar con la mano izquierda. Y los admiradores de antes comenzaron a meterse conmigo: "eres un loco, pero si dibujas estupendamente"... Estuve dibujando con la mano izquierda, precisamente para hacer que no se me escapase la mano hábil, la derecha..."

Su primera exposición la realiza en París en 1950, año en que se casa con Pilar Belzunce. Ha recibido casi todos los premios existentes a lo largo de su vida: de la Bienal de Venecia al Kandinsky, del Wilhem Lehmbruck al Príncipe de Asturias, del Kaiserring alemán al Premio Imperial en Japón. Su obra está presente en más de veinte museos de todo el mundo, y exposiciones retrospectivas se han celebrado en Houston y en Berlín, en Madrid y en Caracas, en Londres y en Palermo. Sus esculturas se encuentran frente al mar como en San Sebastián, o en la montaña como en Japón, y en ciudades como Washington, París, Lund, Munster, Madrid, Palma de Mallorca, Guernica o Berlín. Sobre su obra han escrito arquitectos, matemáticos, filósofos como Martín Heideggeer y Emile Cioran, o poetas como Octavio Paz.

Fuentes: Web oficial del museo Chillida Leku, Biografías y vidas (enciclopedia biográfica en línea),Auñamendi Eusko Entziklopedia. (euskomedia.org )

Alexander Calder

Rodeado de un ambiente de escultores, Alexander Calder (Filadelfia, 1898) estudió en primer lugar ingeniería mecánica (1919) aunque luego decidió irse por el camino del arte (1923). Durante los años 30, comienza a experimentar en el campo de la abstracción, primero como pintor y después como escultor. Fue el primero en incorporar movimiento a las obras de arte gracias a sus conocimientos de mecánica, por lo tanto, más que un cambio radical de oficio, combina ambas disciplinas y se convierte en el precursor del arte cinético. Es considerado uno de los artistas más innovadores del siglo XX por sus famosos móviles y esculturas en alambre reconocidos en todo el mundo.

Comenzó a enrolarse en temas de arte cuando ingresó en la Asociación de Estudiantes de Arte de Nueva York; en la década de 1930, como parte de la Abstraction-Creation, desarrolló un especial interés en el campo de la abstracción, el que se manifestó primero en la pintura y finalmente en su trabajo como escultor. Se verá muy influenciado por los artistas europeos Joan Miró, Jean Arp y Piet Mondrian, adoptando su propuesta estilística para construir su propia identidad. De la influencias de estos artistas unidos al movimiento surgirian sus obras más destacadas: los móviles.

Los móviles son figurillas orgánicas abstractas suspendidas en alambres que se balancean con el viento. Los stábiles (estables), como su nombre indica, continúan la estética abstracta pero sin movimiento, y por lo general representaban formas animales. Estas piezas encumbraron a Calder en la escultura moderna y, de cierto modo, hicieron invisible el resto de su obra compuesta por dibujos, gouaches y esculturas de piedra, madera y bronce.

El reconocimiento a la obra de Calder crecía junto con el tamaño de sus móviles y estables. La aceptación popular de su obra sobrevino por la inclusión de movimiento en una escultura para dotarla de dinamismo y efectos cambiantes de luz. A Calder se le reconoce el precursor del arte cinético. Los móviles del artista le supusieron numerosos encargos durante los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, y embellecen plazas y edificios públicos de Bruselas, Chicago, ciudad de México, Venezuela, Montreal o Nueva York.

Vhils, el graffitero que rasga los muros

A lo largo de los años el arte de las calles ha estado en una constante evolución en cuanto a técnicas y estilos. Para algunos ya quedaron atrás los graffitis hechos con pinturas en aerosol y los stencils (plantillas) que se volvieron muy populares los últimos tiempos gracias a artistas como Banksy y C215 . Ahora hay un estilo que ha dejado con la boca abierta a muchas personas y probablemente nunca te hubiera imaginado verlo como una obra de arte.

Alexandre Farto o mejor conocido como Vhils, es un artista portugués originario de la ciudad de Lisboa. Con una facilidad innata para crear retratos. En sus primeros años de carrera experimento con nuevas formas de crear arte en la mancha urbana, hasta que un día dio con un grupo de artistas que creaban sus obras desprendiendo la pintura de las paredes con espátulas.

Su trabajo se hizo conocido desde el 2008 cuando apareció junto con las obras de Banksy en The Cans Festival  de Londres. Su obra fue tan novedosa que el célebre representante de arte callejero, Steve Lazarides, lo contrató aunque en esos momentos Alexandre era un simple artista aficionado.

La técnica que utiliza Vhils es mucho más compleja de lo que se puede apreciar a primera vista. Para crear la perspectiva en negativo utiliza espátula, cincel y martillo. Como complemento para sus obras, suele combinarlas con pinturas.

Aquí teneis algunas de sus sorprendentes obras y un vídeo de como las realiza. Si os gusta, podeis visitar su sitio web

 En este vídeo podeis ver lo especial que es su técnica

El enigmático arte de Hyuro

Es un artista misterioso del que se sabe, realmente, muy poco. En las calles y avenidas su arte se reconoce a distancia: Aparece Hyuro en cada muro y, sobre ellos, sus personajes principales: los humanos. Los panoramas que suele presentar son nostálgicos, reflexivos y otros están más relacionados con la guerra.

 Nacido en Argentina y actualmente radicado en Valencia, España, Hyuro es su seudónimo que proviene de la unión de sus apellidos y su nombre, el que por cierto, no ha querido revelar, pues el artista urbano prefiere el anonimato. De acuerdo con una entrevista realizada a Hyuro: se siente más que complacido con saber que hay gente que lo conoce, que se encuentra con su pintura, se detiene y trata de interpretar qué es lo que el autor quiso plasmar.

Algunas de sus obras suelen relacionarse con el interior del artista, con el temor de la humanidad, con la constante búsqueda de su identidad y con el sentido de la libertad. Algunos críticos dicen que se autolimita, pues, en la mayoría de sus obras, sólo utiliza dos colores: blanco y negro; a lo cual, Hyuro responde que la utilización de dos tonos le permite centrarse en la idea que desea transmitir y en el dibujo que realizará para ello.

El arte urbano de Hyuro se basa en el uso del graffiti: técnica que no permite errores, pues trazo que se realiza, trazo que permanece sobre los muros. Para sus obras es necesario elaborar un boceto previo y éste servirá de guía para el artista cuando plasme su arte.


Aquí teneis algunas de sus extrañas obras.